Storytelling bei Events: Klaus Sommer Paulsen im Interview

Falls Sie die Gelegenheit verpasst haben, den großartigen Vortrag von Klaus Sommer Paulsen zu hören „Integration von Story Experience Design in die nächste Generation von Themen- und Markenerlebnissen“ am Freitagmorgen auf der Prolight + Sound2023, dann haben Sie jetzt die Möglichkeit, unser kürzlich geführtes Interview mit ihm zu lesen.

Abenteuer und Kreativität sind bei AdventureLAB nicht nur leere Phrasen, sondern tatsächlich zentraler Bestandteil ihrer Arbeit. AdventureLAB, gegründet vom innovativen Geist Klaus Sommer Paulsen, ist ein in Dänemark ansässiges Unternehmen, das sich auf immersive und interaktive Experience Designs spezialisiert hat. Das multidisziplinäre Studio nutzt die Schnittstellen von Storytelling, Theme Development, Game Mechanics und Technologie, um einzigartige, kundenorientierte Erlebnisse zu schaffen.

Klaus Sommer Paulsen, der Gründer und CEO von AdventureLAB, ist bekannt für seine kreativen Fähigkeiten und seinen visionären Ansatz. Als erfahrener Fachmann in der Experience Design Industry hat er eine Reihe von Projekten auf der ganzen Welt betreut und gestaltet. Paulsen ist nicht nur ein begeisterter Geschichtenerzähler und Designer, sondern auch ein inspirierender Sprecher, der seine Expertise und Einblicke auf zahlreichen Branchenkonferenzen und Events teilt.

Wir haben das Glück, heute ein Interview mit dem dynamischen und inspirierenden Klaus Sommer Paulsen zu führen. Machen Sie sich bereit, in eine Welt der Kreativität einzutauchen, die Grenzen überschreitet und die Art und Weise, wie wir Erlebnisse verstehen und gestalten, neu definiert.

Eine allgemeine Frage: Was kann gutes Storytelling tun, um das Besuchererlebnis auf eine neue Ebene zu heben?

Gutes Geschichtenerzählen verleiht dem Erlebnis Tiefe und Reichtum. Sie schafft eine besondere Verbindung zum Publikum, das vielleicht Themen, Figuren oder sogar sich selbst in der Handlung wiedererkennt. Mit einer guten Geschichte gibt es oft eine bessere Grundlage oder Richtung, und im Theme Entertainment werden Sie oft hören, wie Designer, Ingenieure und andere Fachleute die gleiche Frage stellen, auf die sie ihre Arbeit stützen: Was ist die Geschichte? Wenn ich mit dem Äquivalent der Drehbuchgestaltung bei Filmen arbeite – um die Kerngeschichte und das Konzept für das Erlebnis besser zu definieren und zu verdeutlichen – geht es in der Regel darum, zu klären und zu priorisieren, was Teil des Erlebnisses sein sollte, damit jeder im Team seine beste Arbeit leisten kann. Zu viele fragmentierte Ideen sorgen für Verwirrung sowohl bei den Machern als auch bei ihrem Publikum. Die Stärke des Geschichtenerzählens bei Besuchererlebnissen liegt in seiner Fähigkeit, das Herzstück des Erlebnisses zu sein und einen Weg der Inspiration für das Team zu bieten, um neue Ideen als Teil eines starken, gut definierten Konzepts zu entwickeln.

Was kann die Live-Entertainment-Branche, die sich auf der Prolight + Sound präsentiert, von der Themend Attraction Branche in Bezug auf das Geschichtenerzählen lernen?

Wie mächtig und wirkungsvoll ein Live-Erlebnis werden kann, wenn man Storytelling mit Experience Design kombiniert, um themenbezogene oder markenbezogene Erlebnisse zu schaffen, in die wir Menschen einladen können. Die Kombination verstärkt das Eintauchen des Publikums, die Beziehbarkeit und das Engagement, denn es geht um viel mehr als nur um die räumliche Umgebung, den Ton, das Bild, das Feuer, das Wasser usw. All diese Elemente können sicherlich die Geschichte bereichern. Gleichzeitig kann ihre Wirkung verbessert werden, wenn sie ein integrierter Teil einer Erzählung sind, so dass die Verstärkung in beide Richtungen geht.

Darüber hinaus ist es wichtig, dass das Erzählen von Geschichten mehr ist als die etwas eingeschränkte Wahrnehmung von gesprochenen oder geschriebenen Worten, weshalb manche Erfahrungsexperten oft dazu neigen, davor zurückzuschrecken, um zu vermeiden, dass eine allzu komplexe und redundante Erzählung hinzugefügt wird. Geschichten lassen sich mit dem Raum, durch Aktionen des Publikums und all die erwähnten Erweiterungen in Designs erzählen, die man treffend als Geschichtenerzählen ohne Worte bezeichnen kann. Die verschiedenen Ebenen bilden eine Themed Experience, die eine Geschichte auf neue und spannende Weise präsentieren kann.

Welche verschiedenen Ansätze des Geschichtenerzählens lassen sich in der Unterhaltungsindustrie anwenden?

Es sind zu viele, um sie in einem einzigen Artikel oder einem Interview zu erwähnen. Nicht zuletzt, weil man jeden Ansatz mit den verschiedenen Arbeitsweisen von Geschichtenerzählern multiplizieren kann. Wenn sich jemand als Geschichtenerzähler vorstellt, bin ich immer neugierig zu erfahren, welche Art von Geschichtenerzähler er ist. Das Schreiben einer Show oder einer Novelle ist nicht dasselbe. Wenn wir uns jedoch auf das Live-Erlebnis konzentrieren wollen, kommen uns ein paar verschiedene Ansätze in den Sinn. Die Wahl zwischen diesen Ansätzen als Teil einer kreativen Strategie kann sich erheblich auf das Ergebnis auswirken, wie Ihre Geschichte erlebt wird. Und ist es nicht genau das, worum es bei der Live-Unterhaltung geht: die Art und Weise, wie die Geschichte vor dem Publikum oder im Umfeld des Publikums zum Leben erweckt wird, zu verbessern?

Adaptives Geschichtenerzählen: Großartige Geschichten können mit großem Erfolg von ihrem Originalmedium auf Live-Erlebnisse übertragen werden – natürlich zur Enttäuschung und sogar Frustration des Publikums und des Urhebers der ursprünglichen Geschichte. Die erfolgreichsten Adaptionen, die wir auf der Bühne und in Themenparks sehen, sind jene, bei denen das Kreativteam weiß und versteht, dass es sich um eine Adaption handelt. Sie bewahren die Verbindung zur Originalgeschichte und respektieren sie, sind sich aber gleichzeitig bewusst, dass die Geschichte in einer anderen Umgebung oder auf einer anderen Plattform funktionieren muss, indem sie die neuen Eigenschaften nutzen, um das Erlebnis der Geschichte zu verbessern.

Nein, es ist nicht völlig identisch mit dem Originalmaterial, und das sollte es auch nicht sein. Es muss eine erfolgreiche Adaption an ein anderes Format sein.

Immersives Geschichtenerzählen: Im Zusammenhang mit Themenparks und anderen Orten, an denen das Publikum in die Welt der Geschichte – die Storyworld – eintauchen kann, ist Immersive Storytelling mehr als eine Verschmelzung aktueller Schlagworte. Es ist eine Erzählform, bei der das Publikum von der Geschichte umgeben ist. Wenn es in vollem Umfang genutzt wird, wird das Eintauchen in die Geschichte zu einem Teil des Erlebnisses, und dabei erzählen wir Geschichten rund um das Publikum und wie sich das Publikum von innen heraus eintaucht. Was passiert mit den Menschen, wenn sie von der Bühne umgeben sind oder sich sogar auf die Bühne begeben, um an den Ereignissen teilzunehmen? Die Erforschung dieser Frage bringt Ideen für die Interaktion des Publikums mit der Geschichte, dem Raum und den anderen Zuschauern zutage.

Interaktives Geschichtenerzählen: Manchmal hören wir die Frage, ob eine Geschichte interaktiv sein kann. Die Antwort lautet nicht ja oder nein. Statt zu fragen, ob eine Geschichte interaktiv sein kann, sollte man eher fragen, wie sie interaktiv sein kann. Es gibt zahlreiche Möglichkeiten, eine Geschichte interaktiv zu gestalten und das Publikum zu beeinflussen, darunter auch Live-Events, die die Einzigartigkeit einer jeden Show erhöhen. Die Interaktion kann in Echtzeit erfolgen, z. B. wenn das Publikum auf Fragen antwortet, die dynamische Handlungsstränge schaffen oder sogar Richtungen in verzweigten Handlungssträngen wählen. Das Improvisationstheater bietet eine wahre Fundgrube an Inspirationen, die mit verschiedenen Disziplinen und Technologien kombiniert werden können, um die Grenze zwischen Geschichtenerzähler und Publikum zu verwischen und letzterem einen gewissen Einfluss auf die Entfaltung der Geschichte zu geben.

Transmediales Geschichtenerzählen: Geschichten können sich an verschiedenen Orten und auf verschiedenen Plattformen manifestieren. Wie beim Adaptive Storytelling geht es dabei um mehr als die bloße Übertragung von Inhalten von einem Medium oder einer Website auf eine andere. Der Reichtum ergibt sich aus dem Verständnis und der Anwendung der Kraft der Vielfalt und der Unterschiede von einem Ort zum anderen. Darüber hinaus können die Elemente der Geschichte aus verschiedenen Blickwinkeln dargestellt werden und sich sogar von einem Punkt des Publikumseinsatzes zum nächsten völlig unterscheiden. Einige Unterhaltungsserien tun dies sehr gut. Wenn man den Film sieht, die Comics liest und das Spiel spielt, ergänzen sich alle gegenseitig.

Bei der Konzeption und Produktion eines Live-Erlebnisses kann man verschiedene Dimensionen in Zeit, Ort und Ebenen erkunden. Was passiert vor und während der Aufführung, z. B. wenn die Geschichte zu Hause beginnt? Wie können verschiedene Orte, die meter- oder kilometerweit voneinander entfernt sind, zu einem Multi-Location-Erlebnis kombiniert werden? Wie kann die Kombination von digital und virtuell zu einem verbesserten, hybriden Geschichtenerlebnis zusammengeführt werden? Sobald man anfängt, auf diese Weise zu denken, erkennt man, dass man über die einzelne Erzählung hinausgehen und mit einer Reihe von miteinander verbundenen Handlungssträngen arbeiten kann, die das Universum der von Ihnen geschaffenen und kombinierten Geschichten – das Storyverse – noch reicher machen.

Geschichten nacherzählen: Das letzte Beispiel des Geschichtenerzählens bezieht sich auf das Konzept des publikumszentrierten Geschichtenerzählens: wenn Sie das Geschichtenerlebnis so gestalten, dass das Publikum als Besucher und Mitwirkende im Mittelpunkt Ihrer Geschichte oder Ihres Geschichtenkreises steht. Als Experience Designer sind wir Schöpfer von Erinnerungen. Beim Story Retelling geht es darum, dass Sie das Publikum im Auge behalten, wenn Sie seine Erinnerungen teilen. Das von Ihnen geschaffene Erlebnis, zu dem Sie die Menschen eingeladen haben, wird selbst zu einer Geschichte, und Sie müssen sich fragen: Warum ist diese Geschichte es wert, geteilt zu werden? Was können Sie tun, um Ihrem Publikum zu helfen, sie zu teilen? Welche Elemente werden Sie bereitstellen, um die Nacherzählung Ihrer Geschichte durch andere zu fördern? Dies geht weit über den potenziell viralen Videoclip hinaus, den Sie online teilen. Es geht darum, Ihr Publikum zu inspirieren und ihm die Freiheit zu geben, die Art von Geschichten zu erzählen, die Sie sich wünschen, und gleichzeitig zu akzeptieren, dass Sie einen Teil der Kontrolle abgeben, während sich Ihr Geschichtenraum mit den Beiträgen des Publikums, das selbst zum Geschichtenerzähler wird, erweitert.

Sie sind der Leiter des Integrated Storytelling and Experience Design Studio AdventureLAB. Erzählen Sie uns etwas über Ihre Arbeit: Für welche spannenden Projekte waren Sie verantwortlich?

Ich fühle mich sehr gesegnet, mit so vielen großartigen Menschen an so vielen großartigen Projekten gearbeitet zu haben, und jedes Jahr gibt es neue Projekte, große oder kleine, auf die ich sehr stolz bin, dass ich daran beteiligt war. AdventureLAB konzentriert sich sehr auf die grundlegende kreative Strategie, das Konzept, die Geschichte und das Experience Design. Deshalb arbeiten wir oft schon früh in einem Projekt – oder helfen beim Neustart eines Projekts – indem wir eine Richtung vorgeben, mit der alle im Team, ob intern oder extern, arbeiten können. Jeder erhält eine gemeinsame Sprache und ein gemeinsames Verständnis, unabhängig von seiner Disziplin. Durch die Moderation geben wir allen wichtigen Teammitgliedern die Möglichkeit, ihre Ideen und ihr Fachwissen einzubringen. Manchmal sind die Ergebnisse vorübergehende Erfahrungen, manchmal sind sie dauerhaft. Manchmal liegt der Schwerpunkt auf der Erfahrung des Publikums mit einer Marke, und manchmal geht es darum, die Marke durch Team- und Führungstraining von innen heraus zu fördern. Und manchmal sind sie auch eine Kombination aus vielem.

Aufgrund der Art der Projekte sind sie oft in Geheimnisse gehüllt, und es gibt viele, über die ich gerne sprechen würde, aber ich werde Monate oder Jahre warten müssen, bevor ich sie mit jemandem teilen kann. Dennoch kann ich einige erwähnen, und ich habe einige ausgewählt, die einige der verschiedenen Rahmen widerspiegeln, die sich für Theme Experiences eignen: Attraktionen, kulturelles Erbe und Live-Events.

Popcorn Revenge ist ein nichtlineares Dark Ride in Walibu, Belgien, das bei seiner Eröffnung das erste seiner Art war. Ein Dark Ride ist ein Begriff aus der Industrie für ein Indoor-Fahrgeschäft, bei dem die Besucher vollständig in die Umgebung eintauchen, die durch Medien, Animatronik, Szenografie usw. verbessert wird. – Das sind oft spannende Orte für AV-Designs und -Installationen. Ich habe mit Alterface in Belgien an diesem Projekt gearbeitet, wobei sich meine Rolle auf das Storydesign und einige andere kreative Arbeiten konzentrierte. Was mich faszinierte, war die Tatsache, dass das Projekt nicht-linear war, ohne gesprochene Erzählung auskam und in vielerlei Hinsicht das traditionelle Dark-Ride-Konzept in Frage stellte. Popcorn Revenge hat einen THEA-Award gewonnen und wird dieses Jahr in Japan eröffnet, und ich bin sehr stolz darauf. Und was für die Besucher am wichtigsten ist: Es ist ein großer, alberner Spaß!

The Hidden Tragedy ist eine neue mobile Storytelling Experience, das vor kurzem in einer vorläufigen Soft-Launch-Version in Schweden vorgestellt wurde. Ich beschäftige mich seit etwa 15 Jahren mit dem Geschichtenerzählen auf mobilen Geräten, und das Entwerfen von Geschichten, die an mehreren Orten verankert sind, ist ein weiterer Ansatz für das Geschichtenerzählen mit besonderen Anforderungen an den Kontext. Außerdem haben wir in diesem Jahr ein weiteres missionsbasiertes Geschichtenerlebnis auf der Insel Bornholm in Dänemark gestartet, auf das ich ebenfalls sehr stolz bin. Dennoch erwähne ich The Hidden Tragedy wegen seiner facettenreichen und vielschichtigen kreativen Strategie und seines Storydesigns.

Es handelt sich um eine modulare, nicht-lineare Tour, bei der jeder Teil der Geschichte, der an einem bestimmten Ort angesiedelt ist, zum Reichtum und Verständnis des Gesamterlebnisses beiträgt. Die Konzentration auf die Hexenprozesse und die damit verbundenen Hinrichtungen in den 1670er Jahren hätte leicht zu einer düsteren touristischen Horrorgeschichte werden können. Unter der Gesamtverantwortung des Museums von Västernorrland hat ein multidisziplinäres Team eine Tour entwickelt, die ein Gleichgewicht zwischen der Darstellung historischer Fakten und dem Erzählen von Geschichten herstellt und damit beweist, dass gutes Erzählen keine Fiktion sein muss.

Lost in Translation – Know the Power of Diversity war eine Veranstaltung, die wir vor einigen Jahren in Tokio durchgeführt haben. Ich habe in den 1990er Jahren mit digitalem Multimedia begonnen, vor allem mit Shows und Events, und bin unzählige Male auf der Bühne gestanden, so dass Live-Events und Aufführungen für mich etwas ganz Besonderes sind. Der Erfolg solcher Veranstaltungen beruht auf der Zusammenarbeit eines großartigen Teams, nicht nur eines Einzelnen. In diesem Fall waren die Teams, die mit uns zusammenarbeiteten, alle Mitglieder des MAGNET Global Netzwerks und befanden sich in den USA, Dänemark und Japan. Wir stellten ein komplettes 3-tägiges Programm zusammen und arbeiteten online über verschiedene Zeitzonen hinweg. Die Veranstaltung war reich an Shows und Inhalten, mit Referenten aus aller Welt, die über kulturelle Unterschiede in der Kommunikation sprachen, und Begegnungen mit dem japanischen Lebensstil und der japanischen Kultur rund um die Uhr, einschließlich eines sehr frühen Ausflugs zum Fischmarkt in Tokio.

Können Sie eine bestimmte Attraktion nennen, die Sie als Paradebeispiel für gelungenes Storytelling bezeichnen würden?

Die Auswahl ist groß, aber einer meiner absoluten Favoriten bleibt Jeff Waynes The War of The Worlds: The Immersive Experience in London, produziert von Layered Reality in Zusammenarbeit mit Jeff Wayne. Es ist eine perfekte Mischung aus Technologie, Schauspiel, Kulisse – alles, was das Erlebnis für das Publikum verbessert. Es fügt dem klassischen und sehr einflussreichen Science-Fiction-Roman von H. G. Wells mehrere neue Dimensionen hinzu und vertieft die darin enthaltenen Themen. Wie so viele gut gemachte Geschichten über die Bedrohung der Menschheit durch das Außergewöhnliche, seien es Außerirdische, Zombies oder Geister, geht es in der Geschichte darum, wie Menschen unter extremen Bedingungen handeln und ob die Menschheit durch diese Handlungen siegen oder untergehen wird. Hinzu kommt, dass der Krieg der Welten im Kern eine Flüchtlingsgeschichte ist, was auch das Team hinter dem Erlebnis in London anerkennt, ohne dass das Erlebnis jemals belehrend oder weniger fesselnd oder unterhaltsam wird. Das Thema geht tiefer als das, was wir normalerweise in Attraktionen sehen. Es ist ein wahrhaft meisterhaftes Beispiel für die Verschmelzung verschiedener Disziplinen des Geschichtenerzählens, der Unterhaltung und des Experience Designs, und die Auszeichnungen und die begeisterten Kritiken des Publikums sind wohlverdient.

Mehr über Jeff Waynes The War of The Worlds: The Immersive Experience erfahren Sie hier.

Sie sind der Autor des Buches “Integrated Storytelling by Design”. Warum lohnt sich die Lektüre des Buches auch für Fachleute aus dem Bereich der Live-Unterhaltung?

Die Grundannahme des Buches ist, dass Storytelling als ein publikumsorientierter Gestaltungsprozess betrachtet werden kann, bei dem eine Erzählstruktur viele andere Dimensionen hat als nur die, jemandem eine Geschichte zu erzählen. Für Live-Produktionen bedeutet dies, dass wir viele Möglichkeiten haben, neue und einzigartige Erlebnisse zu schaffen, die nicht-lineare, interaktive und modulare Elemente enthalten können, bei denen sich die Rolle des Publikums ändert, weil es die Ereignisse in der Geschichte auf neue Weise beeinflussen kann. Die Struktur einer Live-Show kann dynamischer, somit nie gleichbleibend, werden – ein Trick, den viele Themenparks anwenden, um Besucher anzulocken und sie zum Wiederkommen zu bewegen. Es gibt immer etwas Neues zu entdecken.
Das Geschichtenerzählen, insbesondere das Geschichtenerzählen als Design, wird mehr als je zuvor und bietet viele neue Möglichkeiten für Unterhaltungs- und erfahrene Fachleute – auch für diejenigen, die nicht unbedingt als Geschichtenerzähler gelten würden, nicht einmal für sich selbst. Das Buch richtet sich an alle, die diese Möglichkeiten erkunden und nutzen wollen. Es ist als Toolkit gedacht, das Theorie und Praxis verbindet und direkt in die Entwicklung und Produktion von themenbezogenen oder markenbezogenen Live-Story-Erlebnissen einfließen kann.

Erfahren Sie mehr über das Buch und laden Sie ein kostenloses Kapitel hier herunter.

Glauben Sie, dass Inhalte zum Thema Storytelling auch auf der diesjährigen IAAPA-Messe in Wien eine Rolle spielen werden?

Auf jeden Fall! Storytelling ist ein grundlegender Bestandteil der Unterhaltungsindustrie, und man wird es auf jeden Fall auf der Ausstellungsfläche sehen und in Präsentationen und Podiumsdiskussionen eine Rolle spielen. Einer der interessanten Punkte dabei ist, dass es viele Perspektiven darauf gibt, was Storytelling ist und wie es angewendet werden kann, nicht zuletzt, weil Theme Experience im Kern multidisziplinär ist und Künstler, Ride Designer, Ingenieure, Musiker, Autoren, Architekten, Programmierer, Sound- und Lichtdesigner und so weiter zusammenbringt. Es ist eine großartige Messe, die man besuchen sollte, um einen Einblick in die Branche zu erhalten und sich inspirieren zu lassen, wie man sein Fachwissen nutzen kann, um Geschichten zum Leben zu erwecken. Ich werde dort sein, und jeder, der eines der oben genannten Themen erforschen möchte, ist herzlich eingeladen, sich mit mir in Verbindung zu setzen, um ein Gespräch zu vereinbaren.

Erfahren Sie mehr über die IAAPA Expo Europe 2023 in Wien.